TÚ, YO, ELLAS, NOSOTRAS
Trabajo de creación visual en el que 12 fotógrafas contemporáneas resignificamos, a través de un diálogo fotográfico de tú a tú, la obra y la figura de 12 mujeres creadoras de las vanguardias europeas del siglo XX en distintas artes visuales (cine, artes escénicas, performance, pintura, dibujo, poesía, baile, escultura y fotografía). Todas ellas eran pioneras en su ámbito y poco conocidas en la actualidad.
Actividad realizada con ayuda del Ministerio de Cultura y Deporte.
Imagen de Paula Yubero interpretando a Marie Høeg.
Paula Yubero, fotógrafa madrileña. Cuando era niña, pasaba gran parte de mi tiempo dentro de un pequeño armario, jugando y hablando con una amiga invisible, a quien solo yo podía ver. En ese espacio minúsculo, convivía con todas las imágenes que mi imaginación creaba; podía ver todo lo que yo quisiera. Ahora me escondo detrás de mi cámara, que me permite revelar al otro todo lo que podía ver en ese minúsculo armario.
Marie Høeg. (Noruega 1866-1949)
Fotógrafa y activista feminista muy influenciada por los movimientos a favor de los derechos de la mujer. Estableció su propio estudio de fotografía junto a su pareja, la fotógrafa Bolette Berg. A lo largo de su vida creo una colección de fotografía de carácter personal junto a su pareja en las que desafiaban y jugaban con los estereotipos de género. Imágenes que nos dejan un valioso testimonio sobre la disidencia de sensibilidades en torno a los roles fijados tradicionalmente para mujeres y hombres de la época.
©Berg & Høeg Marie Høeg i selskinnspels. ca. 1895-1903 - Preus Museum.
Marina Bobo interpreta a Elsa von Freytag-Loringhoven
Marina Bobo, fotógrafa madrileña. Me Interesa la observación del individuo en sociedad, mis trabajos hablan de la normalización del comportamiento, de la extrañeza de las culturas y de los límites dibujados por las enseñanzas y creencias heredadas.
Elsa von Freytag-Loringhoven (Prusia 1874 - 1927)
Pintora, escultora, perfomer, poeta y artista radical. Pionera del Dadaísmo y precursora de los “ready-made”. Hizo del arte su forma de vida. Se conservan pocas obras suyas, aunque algunos investigadores aseguran que obras atribuidas a otros artistas de la época son suyas, como “La Fuente”, atribuida a Marcel Duchamp, de la que sería coautora.
God (1917), ©Elsa von Freytag-Loringhoven. ©Morton Livingston Schamberg, gelatin silver print, Museum of Fine Arts, Houston.
María Rojas interpreta a Carmen Tórtola Valencia
María Rojas, fotógrafa. Me interesa el borde que separa lo material y lo artificial, la imagen fotográfica frente al objeto y su espacialidad. Un gesto que manipula, activa y transforma los espacios frente a su sistema de representación convirtiendo nuestro imaginario en una suerte de bestiario de objetualidades líquidas y mutantes en constante conversación con diversos trastornos contemporáneos, imágenes que se viralizan, se comparten, se despolitizan y a la vez son imágenes cuerpo, imágenes que son parte de nuestra piel, que nos invaden desde nuestros dispositivos hasta la retina en un constante intercambio lingüistico.
Carmen Tórtola Valencia. (España 1882 - 1955)
Una de las grandes de la danza del siglo XX, bailarina, coreógrafa y escenógrafa. Pionera en la defensa de los derechos de las mujeres, y transgresora en su arte. Sus danzas de inspiración exótica, enmarcadas en los criterios estéticos del Modernismo, no gustaban a todo el mundo, los círculos conservadores las encontraban demasiado liberales.
©Tórtola Valencia a 'Dansa Africana', 1928, ©Badosa. MAE - Centro de Documentación y Museo de las Artes Escénicas. Instituto del Teatro.
C. Vela interpretando a Renée Sintenis
Laura C. Vela, fotógrafa y editora madrileña. Mi obra se centra en lo cotidiano, lo pequeño y las personas. A través de la fotografía busco indagar sobre los vínculos que hacen que las personas, las cosas y el mundo se mantengan unidas. Para mí la fotografía es un enfrentamiento con la realidad y en esa confrontación me cuestiono a mí misma y mis relaciones. Me interesan conceptos como la curiosidad, la calma y la pasión, entendiendo ésta como un impulso vital además de como deseo.
Renée Sintenis (Alemania 1888 - 1965)
Escultora expresionista. Sus obras muestran interés por la poética del movimiento y la forma, más que por la perfección anatómica o el detalle. "Mis modelos son una percepción, no una idea". Expuso en París y Nueva York y fue la primera escultora admitida en la Academia de las Artes de Prusia como profesora. Su estatua Oso de Berlín se utiliza para los premios del Festival Internacional de Cine de Berlín.
©Renée Sintenis. ©Sasha and Cami Stone. Berlín.
Patricia Sotomayor interpretando a Jeanne Roques
Patricia Sotomayor, fotógrafa. Mis proyectos personales tratan sobre el comportamiento de las personas y la capacidad del ser humano de sobreponerse a sus circunstancias. Me interesan los símbolos, el juego y la transformación. Mis imágenes cuestionan la realidad y retan a descubrir la verdad escondida en las diferentes capas de lectura de cada una de ellas.
Jeanne Roques, (Francia 1889 - 1957)
Actriz, directora, escritora, productora y realizadora. Conocida como Musidora, triunfó en el music hall, icono de la Belle Époque, arquetipo de mujer fatal. Dirigió varias películas, como La vagabunda, adaptación de una novela de Colette. Vivió en España entre 1921 y 1924, donde realizó 3 películas, La capitana Alegría, Sol y sombra y La tierra de los Toros. La industria audiovisual borró parte de su carrera, y se han perdido parte de sus trabajos como directora.
Fotografía publicitaria de Musidora - Autor desconocido
Laura F. Izuzquiza interpretando a Rózsa Klein<br Laura F. Izuzquiza, fotógrafa. En mi proceso la fotografía constituye tanto un detonador de interrogantes como una forma de estar en el mundo. Indago en temas relacionados con la búsqueda de identidad, el anhelo y el conflicto entre deseo y realidad; siendo los ciclos y las fases vitales de transformación recurrentes en mi obra. A través de la simbología creo estados mentales y emocionales catárticos, una práctica que constituye un intento incansable de encontrarme a medio camino con el espectador.
Rózsa Klein (Hungría 1900 – 1970)
Fotógrafa y pintora conocida como Rogie André. Trabajó de forma independiente para publicaciones culturales. Frecuentó los círculos de artistas surrealistas y en las décadas de los años 30 a 50 adquirió notoriedad como retratista y realizó numerosos retratos a escultores, pintores, escritores, fotógrafos y figuras celebres de las vanguardias, como Kandinsky, Miró, Picasso, Colette, Dora Maar, Jacqueline Lamba o Peggy Guggenheim. Participó en varias exposiciones en París y en en el MoMA.
Jacqueline Lamba dans un aquarium. Le Coliseum, Montmartre, Paris 1934. ©Rogi André.
Lourdes Carcedo interpreta la obra de Elvira Ruíz
Lourdes Carcedo, fotógrafa.
Para mí, ser fotógrafa, artista o creadora es una forma de estar en el mundo. Me interesa la temática sobre la mujer. También exploro la percepción e interpretación única que cada persona tenemos, con respecto al mundo que nos rodea, el paisaje, la arquitectura; son enigmas en los que investigo a través de mis trabajos.
Elvira Ruíz. (España 1904 - 1996)
Fotógrafa. Heredera de una saga de fotógrafos cordobeses. Con 8 años comenzó a ayudar en el estudio de su padre. A los 15 dominaba el arte de la fotografía, el retrato de estudio y la iluminación. A partir de los 20estableció su propio estudio. Dedicó toda su vida a la fotografía, fue pionera en el proceso de iluminar, en lo que llegó a ser el máximo exponente de la región. En 1930 ganó el premio de la revista Kodak y se convirtió en maestra de fotógrafos.
Fotografía ©Elvira Ruiz - Proporcionada por su hija Elvira Padilla Ruiz.
Lurdes R. Basolí interpreta la obra de Delhy Tejero
Lurdes Basolí, fotógrafa. El reconocimiento precoz con el proyecto La Sucursal me hizo sucumbir en una crisis que transformó mi relación con la fotografía. Al reflotar abandoné el fotoperiodismo como forma de contar historias para adentrarme en proyectos conscientes de mi responsabilidad en la representación de la otredad. Mis proyectos transitan entre lo poético de Signis, Ababol o Ser Otra y la reflexión crítica de Eclipse o Blank. El giro de la mirada hacia mí misma me conduce a procesos corales y colaborativos como #serlobas, que cuestionan el canon y la genialidad del autor en favor la multimirada para (re)construir imaginarios nuevos.
Delhy Tejero (España 1904 - 1968)
Pintora, dibujante, muralista y artista de la «edad de Plata». Perteneció al grupo de mujeres artistas las Sinsombrero. Se autodefine como una mujer “¡Incansable, joven, hambrienta, indomable, caprichosa, mística, profana, andariega, quieta, sabia, ignorante, desordenada, amiga del orden!”. Colaboró en las mejores revistas y se relacionó con intelectuales y escritores de la época. Residió en París, Bruselas, Tanger y Capri. Ejerció de profesora en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid y realizó numerosas exposiciones a lo largo de su vida. Única mujer que participó en la primera exposición de arte abstracto, sumergiéndose desde entonces en el informalismo. Críticos de la época la sitúan a la vanguardia del arte moderno español.
Obra de ©Delhy Tejero - facilitada por la familia Delhy Tejero.
Rocío Bueno interpreta la obra de Marga Gil Roësset
Rocío Bueno, fotógrafa madrileña. Me fascina la naturaleza silenciosa, abierta y polisémica de la imagen y concibo la fotografía como un sistema en el que confluyen muchas miradas. La uso como herramienta de comunicación para establecer diálogos y explorar mis propios procesos como mujer. Me interesa expandirla, poniéndola en relación con otras artes visuales como el dibujo, el collage, la escultura o la poesía. Abordo temas relacionados con el género, la maternidad, los miedos, la furia, el cuerpo, los vínculos, la herencia y la memoria. En mi trabajo me propongo interrogar a las imágenes para atravesar su superficie y los límites del marco.
Marga Gil Roësset. (España 1908-1932)
Escultora e ilustradora perteneciente a la Generación del 27 de las Sinsombrero. A los siete años escribió e ilustró un cuento dedicado a su madre, La niña curiosa. Sus ilustraciones combinan modernismo, simbolismo y un dibujo líneal sintético. La escultura era su pasión, autodidacta, moderna, innovadora, con un estilo propio. Su obra no oculta la fealdad o las taras, refleja la belleza y la deformidad y tiene ciertos tintes de sátira. Esculpía desde dentro hacia fuera, intentando trascender la apariencia y aflorar la esencia de las cosas. En su breve vida realizó varios grupos escultórico y bustos, como el de Zenobia Camprubí y recibió muy buenas críticas.
©Marga Gil Roësset. Autor fotografía desconocido - Marga Clark.
Laura M. Lombardía interpreta la obra de Jacqueline Lamba
Laura M. Lombardía, fotógrafa. En mi trabajo exploro la anatomía de lo ambiguo. Mi fotografía nace desde la penumbra. En un lugar combativo, siempre de fricción. Me interesa la incomodidad del ser y su lucha por mantenerse erguido. Intento mediante la creación artística hallar un sentido a cuanto nos rodea. Componiendo series anímicas que inciden especialmente en lo invisible, en aquello que no advertimos pero que nos constituye. Es el resultado de un modo de ver y de estar en el mundo. Atraída desde siempre por la frase de Diane Arbus “una fotografía es un secreto sobre un secreto, cuanto más te cuenta menos sabes” mis imágenes presentan un universo personal dónde los límites de la existencia y la levedad del ser se muestran con la naturalidad de la misma vida.
Jaqueline Lamba. (Francia 1910 - 1993)
Pintora Surrealista primero y posteriormente abstracta. Participó, en Exposiciones Surrealistas entre 1934 y 1948, pero al igual que las demás mujeres de la corriente, su arte no fue tomada en serio. Independiente, rebelde contra los convencionalismos y extravagante, nunca dejó de luchar para que se la reconociera como pintora en vez de musa de los surrealistas o mujer de André Bretón, del que se divorció para desarrollarse como artista. En Nueva York participó en varias exposiciones, entre ellas la de 31 Mujeres organizada por Peggy Guggenheim. Pintura ©Jacqueline Lamba. Autor fotografía desconocido.
Laura San Segundo interpretando a Meet Oppenheim
Laura San Segundo, fotógrafa. La mayor parte de mi obra surge del flujo de ideas, sentimientos o sensaciones que desencadenan un concepto, una experiencia, una observación o los intersticios que se generan al relacionar imágenes de distinta naturaleza; trabajando no con historias concretas, sino de manera intuitiva sobre el espacio, el tiempo, la materialidad y el potencial narrativo o metafórico de lo cotidiano, con numerosas referencias a la tradición pictórica europea y un interés particular en cómo la imagen como documento puede ser al mismo tiempo utilitaria, personal y artística, y cómo es posible desdibujar sus usos, fines o significados mediante estrategias como el recorte, la fragmentación, la descontextualización, el texto, el diálogo o la yuxtaposición, entre otras.
Meret Oppenheim. (Alemania 1913 - 1985)
Fotógrafa, escultora y creadora surrealista. Fue musa de los artistas de vanguardia como Man Ray y posteriormente se forjó y reivindicó un camino propio. Formó parte del grupo de poetas, pensadores y artistas cercanos al surrealismo y participó en muchas exposiciones del grupo. Trabajó con dibujo, pintura, poesía y escritura onírica y diseñó aparatos domésticos mezclando elementos animales y antropomórficos con objetos cotidianos descontextualizados. Su obra “Juego de desayuno de piel” es uno de los objetos más conocidos del movimiento surrealista.
©Meret Oppenheim. © 2022 Artists Rights Society (ARS), New York / Pro Litteris, Zurich.
Elisa Miralles interpretando a Unica Zürn<br Elisa Miralles, fotógrafa madrileña. Me interesa la relación con las personas, me gusta pensar en la fotografía como el fruto de un encuentro. Incorporo este diálogo con la obra de Unica Zürn al trabajo que estoy desarrollando sobre mujer y cuerpo, que pretende generar una transformación de la mirada hacia el cuerpo propio y el ajeno, subvirtiendo un imaginario que históricamente ha objetualizado nuestros cuerpos. Me interesa recuperar el poder del monstruo, nuestra parte animal, la conexión con nuestro instinto más primario, liberar la ira y el deseo para derribar los tabúes y los estereotipos impuestos, conectar con lo sensorial y lo orgánico para ceder espacio al cuerpo, a una metamorfosis necesaria.
Unica Zürn (Alemania 1916 - 1970)
Pintora, escritora y poeta. Conocida por sus dibujos automáticos y su poesía anagramática. Estuvo integrada en el círculo surrealista de París. Sus dibujos inquietantes, llenos de criaturas fantásticas, seres híbridos entre animales y humanos, son el reflejo de su mente, sus conflictos y su padecimiento. Muy marcada por los abusos sexuales de su hermano en su niñez y su relación de dependencia sadomasoquista con el escultor Hans Bellmer que la llevaron al borde de la locura. Tuvo varios brotes esquizofrénicos que provocaron numerosos internamientos en hospitales psiquiátricos, pero también incentivaron su proceso artístico y motivaron una gran creación literaria, entre las que destacan dos novelas póstumas, El Hombre Jazmín y Primavera Sombría.
Dibujo de ©Unica Zürn. Autor fotografía desconocido.
Para reforzar el diálogo el proyecto de completa con un retrato a cada fotógrafa intervenido con un retrato de archivo de la artista visual con la que ha dialogado, creando una imagen híbrida que hace de puente entre ambas, conectando pasado y presente.
“Existe una historia de las artes protagonizada por mujeres: una historia minoritaria pero significativa, en absoluto marginal y sin embargo silenciada por el relato canónico. La aparición paulatina de la figura de la mujer en la escena literaria, artística y escénica entre los últimos años del siglo XIX y la década de los treinta del siglo XX se produjo en un contexto absolutamente dominado por el hombre. Fueron ellos los que escribieron sobre arte, pero también los que gestionaron, promovieron y controlaron sus estructuras organizativas. No obstante, los archivos, hemerotecas, anuarios y publicaciones de la época están plagados de mujeres que dirigían y promovían sus carreras creativas. En este prólogo he citado varias; este proyecto introduce otras tantas, y todo ello supone una ínfima proporción de la realidad”.
María Santoyo (nov 2022)
El objetivo del trabajo es la recuperación y reivindicación de referentes de mujeres que nos sirvan de inspiración por sus vidas, así como dar visibilidad y poner en valor el trabajo de las mujeres fotógrafas actuales.
Publicación divulgativa del proyecto
Agenda atemporal, resultado del diálogo visual de las 12 fotógrafas contemporáneas y la obra de las 12 mujeres pioneras de las vanguardias europeas del siglo XX.
De distribución gratuita.
Actividad realizada con la ayuda del Ministerio de Cultura y Deporte.